Je crois que j'ai commencé à y aller entre 2012 et 2013, et j'y suis retourné plusieurs fois par la suite. Certains voyages, je les ai faits complètement seul. Je prenais un avion en semaine, j'arrivais à Paris et je m'offrais deux, trois ou quatre jours d'une concentration absolue : salon, galeries, promenades, librairies, cafés, encore le salon. Il y avait quelque chose de très beau dans cette solitude choisie. Après avoir passé des heures à regarder des œuvres, sortir se promener dans Paris avait presque la même valeur que d'être à l'intérieur. La ville prolongeait l'état intérieur dans lequel le salon vous avait plongé.
Ce qui m'impressionnait, ce n'était pas seulement la qualité, mais l'échelle. Ce n'était pas une exposition spécifique d'un photographe que l'on admirait. C'étaient des allées et des allées et des allées où cohabitaient des noms mythiques, des registres différents, des époques différentes, des sensibilités différentes. Là se trouvaient les images que j'avais traquées pendant des années dans des livres et des magazines : Peter Lindbergh, Annie Leibovitz, Mario Testino, Helmut Newton, Nick Knight, Paolo Roversi, Ellen von Unwerth, Mondino. Pas comme des références abstraites, mais comme des pièces physiques, mesurées, éditées, avec des prix, avec une présence, avec un poids. Paris Photo a commencé au Carrousel du Louvre et s'est ensuite déplacé au Grand Palais, un mouvement qui a contribué à consolider encore davantage sa dimension internationale.
Pour moi, cela confirmait quelque chose d'essentiel : la photographie de mode pouvait occuper une place légitime dans l'art et le collectionnisme. Cette certitude se construisait bien avant, dans les années où je voyageais à Berlin pour voir Camera Work ou l'univers d'Helmut Newton, ou à Londres pour visiter des expositions qui semblaient impensables en Espagne. Camera Work, fondée en 1997, est devenue l'une des galeries européennes de référence en photographie, et l'exposition Story Teller de Tim Walker à Somerset House, organisée entre 2012 et 2013, était une autre preuve qu'en dehors d'ici, ce dialogue entre mode, image et art était vivant et reconnu.
En y repensant, tout semble assez clair. Ces années d'étude obsessionnelle, les voyages, les salons, les expositions, les librairies, même la frustration de ne pouvoir presque rien acheter, ont relié les points. Toute cette recherche autodidacte a non seulement nourri mon regard, mais m'a ensuite servi à donner moi-même des cours de communication et de photographie à des étudiantes de troisième année de mode à l'ESNE, alors centre affilié à l'Université Camilo José Cela. Je ne venais pas d'une formation universitaire dans ce domaine : j'y suis arrivé avec un parcours propre, construit à force de curiosité, de recherche et d'années d'immersion personnelle dans l'image. Je ne pouvais pas emporter ces œuvres, mais je trouvais toujours une autre façon de m'en approcher : un catalogue, une affiche, un livre. C'est ainsi que ma collection a grandi. Et aussi une façon de regarder qui, avec le temps, finirait par me pousser à transformer une galerie à Gijón en photogalerie et à organiser des expositions à partir de cette même conviction.
